Historia del Rock: El Rock Progresivo

Los últimos grupos del Punk e inclusive los del New Wave los clasificaron como el dinosaurio de cuerpo autosatisfecho en el que se había convertido el negocio de la música - en los días en que John Lyndon se unía a los Sex Pistols, él vestía  una camiseta que decía "Odio a Pink Floyd". - pero por otra parte el Rock Progresivo fue uno de los estilos de los 70, y responsable de ser una de las más ambiciosas y pretenciosas ofertas  de está época.

El progresivo viene en muchas formas y tamaños, pero puede ser vagamente definido como una música que pretende combinar el rock y la sicodelia con elementos clásicos, sinfónico y literarios.Muchos grupos tuvieron la virtuosidad instrumental de  como un premio, usando más teclados que cualquier banda típica  de rock y usando  más sintetizadores que cualquier grupo  típico.

Las guitarras eléctricas también fueron importantes , algunas veces  batallando con los teclados, otras tomándose largos y orgullosos solos por su cuenta. Líricamente  los progresivos  no negaron las canciones de amor del todo, pero se preocuparon  básicamente de  de pesados asuntos filosóficos, a veces  influenciados por drogas sicodélicas , ciencia ficción y fantasía en escala épica.

El progresivo también llamado Art Rock, se originó en la escena  socidélica  de final de los 60. The Moddy Blues fue el primer grupo  en combinar  música sinfónica clásica con el rock en el álbum Days of Future Passed en 1967.  En los álbumes siguientes ellos  prescindieron de las orquestas y utilizaron  sintetizadores  y sofisticadas técnicas  de estudio, para crear sinfonías propias. Pocos grupos resistieron la encarnizada  adulación  y vituperación  como los Moody Blues, indudablemente pretenciosos,  también  fueron uno de los actos del progresivo más melódicamente infecciosos.

También el masivamente popular  Pink Floyd  quienes se volvieron más serios después  de la partida  de su formador Sid Barret en 1968.  Muchos pensaron que la banda  estaba muerta sin Barret, su original escritor, guitarrista y cantante, cuyo inigualable sentido del capricho  hizo el debut  del grupo  en 1967 con Pipers at the Gates of Dawn, unos de los grandes álbumes del sicodelico.Los Floyd sorprendieron  a sus críticos, volviéndose cada vez más grandes incrementando épicas  experimentales largas  y espaciosas, cuyo sonido electrónico fue definido por sus fans como Head Music. 

Su gran salto internacional fue en 1973 con Dark Side of the Moon, que nos recuerda uno de los trabajos  más vendidos  de todos los tiempos, su producción contiene uno de los  más originales trabajos y el grupo  nunca se olvido de  sus raíces en el Pop y el Blues. Otra banda británica de finales de los 60 fue The Soft Machine, quienes incorporaron  el jazz y el dadaísmo  en sus composiciones sicodélicas de Hard Rock.

La banda Procal Harum usó varias  capas de  teclados  en melodías  con fuertes ecos  de música clásica, las letras literarias  de Keith Red del grupo  The Nice, también aparecen  en escena The Pretty Things, quienes con su opera rock S.F. Sorrow, predaron indiscutiblemente la opera  del grupo The Who  Tommy. Jethro Tull , con unos mixes de bluesrock y la metamorfosis de Rahsaan Roland Kirk pronto se convierten en un álbum  de una fuerza poética, escrutando  en las raíces del Folk tradicional inglés.

A pesar de que en 1970  hubo algunas divisiones  en la escuela progresiva, muchas de las bandas más representativas se agruparon bajo la bandera del sonido de Canterburry, dirigidos por The Stuff Machine, también se incluyeron  bandas como Caravan, Hatfield & The North y los trabajos de los ex Soft Robert Wyatt y Kevin Ayers. Estos señores  se convirtieron  en el suceso comercial más influyente del género y no contaban  con un buen sentido del humor, el cual las super estrellas generalmente no están propensas a tener.

Mientras estas bandas contaban con críticas y alabanzas, era problema de Emerson Lake & Palmer, Yes, Pink Floyd , Jethro Tull y Genesis de formarse  como entidades más serias. Pink Floyd  empezó a  elaborar temas económicos  y políticos en sus letras, y las otras bandas blandieron  pasajes instrumentales de guitarra  y teclados  en ¨heroes" como Steve Have, Rick Wakeman y Keith Emerson.  Ellos consideraban  absurdo tener como gancho  las letras y los riffs de guitarra, los cuales la audiencia los encontraba mas deliciosos y digeribles.

El progresivo tuvo una primera rama que fue netamente instrumental. Sorpresivamente  , muchos de estos actos  vinieron  del continente europeo  y usaron lo instrumental  como una forma  de burlar  el asidero  con Inglaterra, la lengua franca de la músicas popular.

La banda alemana Kraftwerk  tuvo un álbum  sorpresa a mitad  de los 70. Autobhan, su fuerte trabajo  con texturas  electrónicas  dio paso a  bandas como Can, Amon Doul, Faust y Taugerin Dream, quienes dieron origen a la escuela del Kraut Rock. Estas bandas  también tuvieron gran influencia  sobre el New Wave  años más tarde.

La influencia del progresivo declinó después de la mitad de los 70, el Punk y el New Wave fueron uno de los factores, peor lo más importante  fue que muchas bandas  se disolvieron,  otras se movieron hacia los medios del Pop, o simplemente tocaban solas. Los sellos   Harvest y Virgin, quienes se preocuparon en exponer  la música  a una gran audiencia,  concluyeron  sus actividades  o se movieron al gran mercado del Pop, como en el caso de la Virgin.  Grupos como Electric Light Orchestra, Boston, Foreigner, Journey, Kansas y Supertramp se convirtieron  en suceso masivos  por incorporar elementos del  progresivo dentro del Pop.

Con un lente sinfónico  más modificado, bandas como Moody Blues y Pink Floyd  recuerdan super estrellas en concierto y grandes vendedoras de discos. así trabajaran en estudio o en vivo, y le dieron  a las bandas modernas como los Marallion, el ideal  del progresivo. Del otro lado del espectro gente como Fred Firth, Henry Kaiser, Robert Fripp, Material, Public Image Limited, tomaron el progresivo y lo llevaron la Avant Gard, territorio  donde no se atrevieron  a llegar ni en su apogeo los otros músicos.

No cabe ninguna duda de que bandas como The Who, Led Zepellin, Peter Gabriel y David Bowie, le deben mucho a a los valores del Progresivo.

Discografia Sugerida:

- Pink Floyd,    Dark Side of The Moon.

- Procol Harum , Procol Harum.

- The Moody Blues, Days of Future Passed.

- Yes, Fragile.

- Eno, Here Comes the Warm Jets.

- The Soft Machine, Volúmenes 1 y 2.

- Caravan, Canterbury Tales.

- Mike Oldfield, Tubular Bells.

- King Crisom,  Frame by Frame.

- The Pretty Things, S.F. Sorrow.

- Jethro Tull, 20 Years of Jethro Tull.

Historias del Rock, el Power Pop

El camino verdadero de todo el Power Pop fueron los Beatles. Virtualmente todas las apropiaciones estilísticas empiezan con ellos: una distintiva armonía  al cantar, líneas melódicas fuertes, inolvidables riffs de guitarra y letras sobre enamoramientos; ellos crearon el modelo que otras bandas de Power Pop copiaron y recrearon las dos décadas siguientes. Otras profundas influencias, incluyendo bandas como The Who, The Kinks y The Moves, fueron las culpables que el dieron  el sentido de "poder" al Power Pop.

Influencias británicas

Para ser  consecuentes, es claro decir que un buen árbol genealógico del Power incluiría las influencias de la invasión británica y de la llamada era "Mod". Esto nos hace entender o nos da una sutil idea del porqué todas las bandas americanas de Power, parecen vagamente británicas.

Esto es porque  cantaban con un delicado acento inglés en sus voces,  les encantaba hacer covers de bandas británicas, y como era el caso  de muchas bandas inglesas de Mod, preferían vestirse un tanto raro.
Inclusive la más influyente banda del Power Pop con su folk rock de comienzos de los 70, estamos hablando de The Byrds, que tuvo un pequeño tono inglés, al igual que The Searchers y The Holles.

El apogeo del Power Pop (irónicamente antes de que fuera llamado así) fue en los 70. Pocas bandas americanas encapsularon la popularidad comercial y el influyente estatus de culto del Power Pop mejor que The Raspberries y Big Star. Las dos bandas hicieron grandes grabaciones; mientras Big Star graba gran volumen de  producción (gracias al talento de Alex Chilton), nos recuerda inevitablemente lo mejor del genero, las dos bandas aprovecharon su arte  para  un intento similar; escribir canciones que estuvieran llenas de ganchos.

Los Raspberries nacieron en Cleveland, fabricados con la obsesión por el rock británico del vocalista Eric Carmen y del guitarrista  Wally Bruson, fue una cadena  de enormes éxitos como Go all the way, Tonight y el tema autobiográfico Overnight Sesation, que la hicieron una  de las bandas más comerciales  de los 70. Sus canciones eran muy profundas, con un gran partido de la tierra y del amor joven lo cual hacia pensar que eran imparables.

Por otro lado la banda nativa de Memphis llamada Big Star, grabó canciones  emocionalmente profundas y complejas en tres álbumes increibles: No 1 Record, City y Sister Lovers. Estos trabajos  no fueron oídos en su época, pero se  constituyen  como las mejores  canciones del Power Americano. Podemos recordar Ballad of El Goodo, Mod Lang  y el muy conocido September gurls. Re descubiertos por una nueva generación posterior  de amantes del Pop, los Big Star nunca pensaron en tener el el suceso comercial del que  disfrutaron los Raspberries, se convirtieron  más influyentes y venerados que éstos.

Éxitos al azar

Para la mitad de los 70  el Power continuó  con éxitos occidentales como el Top 20  de 1975 I´m on fire de Dwight Twilley. Twilly nacido en Oakland, junto a su compañero , grabó junto a su compañero el maravilloso álbum de debut Sincerely, un gran trabajo que nos muestra  el melodioso matiz del Power Pop.

Al mismo tiempo aparece Cheap Trick, un cuarteto de Hard Rock/Pop de Rockford Illinois. Capitalizado en la fuerte voz de y el buen look de su cantante Robin Zauder, además de las extrañas  travesuras  y las narraciones  surrealistas  de las letras del guitarrista  Rick Neilsen, grabando uno  de los más finos  ejemplos del pop/rock de los tiempos. Después  de tres innegables  grandes grabaciones, el suceso mundial  de un álbum en vivo  señaló el principio del fin de Cheap Trick, comenzando por dejar este nombre y reduciéndolo a una forma musical.

Invasión UK

El Power Pop no fue solamente la providencia  de bandas americanas que querían sonar  como inglesas; hubo una invasión de Power Pop británico en los 70. Bad Enger fue la  banda más  descaradamente influenciada por los Beatles, (inclusive grabaron para el sello de los Beatles, Apple y tuvieron a Paul Mcartney como productor), pero produjeron ocasionalmente  algunas excelentes  canciones  como Day after day, No matter what  y Baby Blue; los tres éxitos del Top 20  en 1970 - 71.

Cargado con exuberante guitarra, melodías instantáneamente reconocibles y dos buenos cantantes como Pete Ham y Joey Molland (un tipo de Liverpool que contaba con un gran parecido a Mcartney). Bad Fing fue un buen modelo de una banda  de Power Pop. Tristemente el guitarrista  y compositor  Pete Ham se suicidó en 1975, acabando con la carrera de la banda.

Para la mitad de los 70, el Power Pop era en Inglaterra la música  del glam rock  con ritmos fuertes, que sonaban como cantos de football. El Glam Rock chifló a los guitarristas, mientras endulzaban sus melodías. De ese modo haciendo un sonoro bublegum rock pensado perfectamente para la radio . Con artistas como Gary Glitter, The Sweet, Slade y Suzi Quatro (un americano que tuvo gran suceso en Inglaterra) dirigieron la honda, un glam rock  con un puñado  de buenas canciones, una gran banda y el subsecuente marketing  de un talento insignificante de lo que fueran los Teen Idols  como Bay City Rollers, que se tornaron prácticos  en la marca  del Power Pop de los 80.

El deceso  del Power Pop fue irónicamente  alcanzado  en uno de sus más fértiles momentos. Cuando se formó Cheap trick, al tiempo nacieron bandas excelentes como The Pezband y The Shows, las dos de Illinois, quienes hicieron grandes grabaciones. En la Costa Oeste Jack Lee, Peter Case y Paul Collins formaron los Nerues, con sonido punk pop, en Boston The Deal Kid hicieron su LP de debut.

De cualquier manera el Power Pop de final de los 70 y comienzos de los 80 también  es recordado por los imitadores  y las no talentosas copias de las canciones de los Raspberries, contando también  con los covers que las disqueras vomitaron en un alto porcentaje.

Podemos anotar bandas como Tatoo, The Tourist (con los futuros Eurythmics Dave Stewart y Annie Lennox), The Jaggs, The Sinceros, The Yatchs y un sinnúmero de bandas que se  montaron en el tren del Power Pop.

Aunque muchas personas aborrecen usar este termino hoy en día, el Power estuvo vigente durante mucho tiempo. Bandas alternativas como The Poises, Belly Thrawing Muses, Elastica, Echobelly y Gim Blossoms no niegan sus influencias en el Power Pop. Hay muestras de esto en Nirvana, e inclusive en bandas de retro punk como Green Day y Offspring. Inevitablemente hay bandas como Material Issue y Jelly Fish, quienes son la segunda generación de los legendarios Cretones y de los Jags teniendo como sustancia una reproducción mecánica de un estilo.

El Power Pop es mucho  mejor que lo que el término implica y podemos pensar que no piensa irse del todo.

Discografía Sugerida:

• Rhinos: DIV American and British Power Pop Anthologies.
• Badfinger: Straight Up.
• Big Star: No 1 Record - Radio City.
• Cheap Trick: In Color.
• Go-Go´s: Go - Go´s Greatest.
• Nick Lowe: Pure Pop for New People.
• Raspberries: The Raspberries Rest.
• Slade: The best of Slade.
• Sweet: The Best of Sweet.

 

De la eutanasia y otros demonios

Mi tío Germán Valencia se encontraba en su lecho de muerte debido a un cáncer de próstata que lo  acompañó en los últimos 5 años de su vida. Se había recuperado satisfactoriamente de un par de operaciones pero 15 días antes de su muerte resbaló y una costilla fracturada parecía no sanar.

Después de un sin numero de exámenes, los médicos se dieron cuenta de que le había hecho metástasis en los pulmones. En este punto ya no tenían nada que hacer. Simplemente darle calmantes para intentar reducir su dolor y esperar su inexorable deceso.

Él (mi tío Germán) que era un profesional de la salud estava viviendo en un paradigma por el cual luchó. Primero su especialidad es la Urología y durante su ejercicio profesional recibió en más de una ocasión pacientes con su misma condición.

Consciente de que alargar sus días no era más que una tortura para si mismo y sus familiares (especialmente su esposa), pidió que se le aplicara la eutanasia para evitar el sufrimiento al cual esta siendo sometido por la vida.

La respuesta de sus colegas fue un rotundo “NO”, ya que esta practica milenaria no ha sido despenalizada en nuestro país, “NO” que el mismo tuvo que decir a más de uno de sus pacientes en su ejercicio de galeno.

Lo único que logro conseguir fue una fundación para la muerte digna, en la cual se firma un papel en el que se hace saber al honorable cuerpo médico y al poder legislativo que siendo consciente de sus actos, decide que en caso de caer postrado en una cama de hospital o en el peor de los casos en una unidad de cuidados intensivos, ordena por voluntad propia no continuar con su vida por ningún medio mecánico o electrónico asistido, lo que en palabras mas parroquiales sería la prolongación de la vida. Es decir simplemente dejarlo morir.

Estamos señores ante un paradigma muy complicado y tan antiguo como la historia de la humanidad. Este fue tratado sabiamente desde la antigua Grecia (su nombre viene del griego “eu” bien y “thanatos” muerte). Este paradigma es el derecho a acabar con mi vida en el momento en que yo lo decida (¿suicidio?). No es lo mismo que la muerte digna ya que el término se entiende como el otorgamiento de medidas médicas paliativas (que disminuyen el sufrimiento o lo hacen soportable), de apoyo emocional y espiritual a los enfermos terminales. Esta definición se usa para sustituir la no tan bien conocida ortotanasia que consiste en dejar morir a tiempo sin emplear medios desproporcionados y extraordinarios.

Valga aclarar que se sustituyó con el fin de centrar el concepto en la condición (“dignidad”) del enfermo terminal y no en la voluntad de morir.

Los principales paradigmas que sustentan esta situación son morales y religiosos y nos debemos remitir a la historia universal para tratar de entenderlos:

• Para los griegos la concepción de vida era diferente a la nuestra y la eutanasia no complicaba a los seres ya que una mala vida no era digna de vivirla.
• Durante la edad media y bajo la óptica cristiana la eutanasia, el aborto y el suicidio eran considerados pecado ya que nosotros no podemos disponer de la vida que nos fue otorgada por Dios el supremo creador.
• Con la llegada de la modernidad se retoma el pensamiento clásico y se discute que la salud puede ser alcanzada con el apoyo de la técnica, las ciencias naturales y la medicina.
• En la Europa de comienzos del siglo XX, se crean sociedades en pro de la eutanasia para su legalización activa. En estos debates toman parte teólogos, médicos, abogados y filósofos.
• Después de la primera guerra mundial la crisis económica sustenta la matanza de lisiados y de enfermos mentales. Durante la segunda guerra mundial los nazis hacían propaganda a favor de la eutanasia argumentando la indignidad de ciertas vidas las cuales eran merecedoras de compasión.
• En el presente se sustentan varias opiniones sobre la eutanasia y depende de las prácticas médicas y legales que varían de país en país para su penalización.

Teniendo en cuenta estos aspectos históricos nos vamos a centrar en el caso colombiano en donde el debate esta centrado en una posición religiosa mayormente católica ya que es la religión oficial del país. En el año 1997 los jerarcas católicos del país del sagrado corazón, encabezados por Monseñor Alberto Giraldo sacaron a la luz pública un decálogo que se convierte casi en ley divina con el cual se joden las pretensiones suicidas de mi tío y de otros personajes en su misma situación:

1. Nunca es moralmente lícita la acción que por su naturaleza provoca directa o intencionalmente la muerte del paciente.

2. Por consiguiente, jamás es lícito matar a un paciente, ni siquiera para no verlo sufrir o no hacerlo sufrir, aunque él lo pidiera expresamente. Ni el paciente, ni los médicos ni el personal sanitario, ni los familiares tienen la facultad de decidir o provocar la muerte de una persona.

3. No es lícito negar a un paciente la prestación de cuidados vitales sin los cuales seguramente moriría, aunque sufra de un mal incurable.

4. No es lícito renunciar a cuidados o tratamientos proporcionados y disponibles, cuando se sabe que resultan eficaces, aunque sea sólo parcialmente. En concreto, no se ha de omitir el tratamiento a enfermos en coma si existe alguna posibilidad de recuperación.

5. No hay obligación de someter al paciente terminal a nuevas intervenciones quirúrgicas, cuando no se tiene la fundada esperanza de hacerle más llevadera su vida.

6. Es lícito suministrar narcóticos y analgésicos que alivien el dolor, aunque atenúen la consciencia y provoquen de modo secundario un acortamiento de la vida del paciente, con tal que la intención de la acción sea calmar el dolor y no acelerar disimuladamente (intencionalmente) su muerte.

7. Es lícito dejar de aplicar procedimientos extraordinarios a un paciente en coma cuando haya perdido toda actividad cerebral. Pero no lo es cuando el cerebro del paciente conserva ciertas funciones vitales, si esa omisión le provoca muerte inmediata.

8. Las personas minusválidas o con malformaciones tienen los mismos derechos que las demás personas, en lo que se refiere a la recepción de tratamientos terapéuticos. En la fase prenatal y en la postnatal se han de proporcionar las mismas curas que a los fetos y niños sanos.

9. El Estado no puede atribuirse el derecho de legalizar la eutanasia, pues la vida del inocente es un bien que prevalece sobre el poder mismo.

10. La eutanasia es un crimen contra la vida humana y la ley divina, del que se hacen responsables todos los que intervienen en la decisión y ejecución del acto homicida.

Los contextos sociales que afectan a estas premisas son la sociedad entera. Pero podemos enmarcarlos varios grandes grupos: la familia, los pacientes terminales, la comunidad médica y científica, el aparato legislativo de las naciones y el hombre del común que puede verse en la misma situación de mi tío en cualquier momento de su vida.

Los prejuicios que veo latentes en esta situación son:

1. Los médicos también se enferman.
2. Dios es el único que puede quitarle la vida a alguien.

La validez de estos prejuicios funciona en el ámbito religioso, médico y legislativo. Su vigencia permanecerá en cuanto nuestra sociedad colombiana siga siendo mojigata en este tema y se someta al dogma por el dogma.

La propuesta para superar este paradigma es la despenalización de la eutanasia en el país por encima de los juicios morales y religiosos preponderantes. El hombre en últimas es quien decide en esta vida, Dios lo juzgará en la otra.

Preguntas:

¿Para cambiar es necesario conocer y cambiar la historia de la humanidad?

¿Para cambiar se hace necesario el autoconocimiento, como país, como colectivo, como individuo?

¿En que situaciones mi individualidad se convierte pública?

Esta pequeña reflexión sobre mi tío moribundo rogando por un derecho divino, me hace pensar que en nuestro ejercicio de ciudadanos y avalados en la constitución nacional de la República de Colombia el bien público prima sobre el bien individual.

Extrapolando esto a la sociedad nos hace reflexionar en el ego que todos tenemos. Para una organización sana debemos estar alineados en un objetivo común estando empoderados de nuestros actos y seguros de lo que vamos a lograr. La misión, visión y objetivos de la empresa deben estar medianamente acordes con los de mi vida, por lo memos por el periodo de tiempo durante el cual permanezca en ella.

En este momento viene a mi mente lo que sucedió hace un par de años con un director de orquesta quien al final de sus días estaba sordo y ciego y su música ya no tenía sentido. Decidió irse con su esposa quien sufría de una enfermedad terminal a otro país en donde les permitieran aplicarse la eutanasia. Según sus hijos fue una decisión sabia que se consumó en un acto de amor. Y el caso reciente de Peter Smedley quien murió aferrado a la mano de su esposa después de aplicarse un coctel de drogas, evento que fue transmitido por la BBC de Londres

Apliquemos la eutanasia a las personas o partidos que no se conectan con sus objetivos, apliquemonos la eutanasia como ciudadanos cuando no nos conectamos con el estamento (bien llevado).

No creo que Dios vaya a considerar pecado el derecho de no estar donde no queremos estar.

DOCTOR VALENCIA EL SHOW DEBE CONTINUAR.

Peter a punto de recibir su dosis letal.

En pleno proceso.

Historias del Rock, el Folk Rock.

En la primera mitad de los 60, cualquier sugerencia de que los mundos del rock y el fock se hubieran unido para crear un híbrido llamado folk – rock, se hubiera encontrado con el total descrédito de las dos partes.

Por un lado estaba la comunidad folk organizada y orgullosa en sí misma de su pureza. Lo que significaba instrumentos acústicos y canciones con sustancia; ellos consideraban el rock & roll como “vulgar” y “comercial”. Los rockeros por su parte en su gran mayoría eran ignorantes con respecto a las tradiciones del folk (que literalmente se tranbscribe como popular, la música del pueblo), e inconscientes de cambiar su contenido lírico, sus letras eran intentos de temas de romance y participación juvenil. Pero en pocos años el folk y el rock no sólo se combinaron en una nueva forma de música popular sino que convirtió en existosa e influyente.

Dylan Folk

Para 1965 Bob Dylan había hecho mucho por revolucionar la música folk contemporánea, cantando sobre temas típicos y después de unos años sobre temas personales y románticos, ejecutados con una poética única, lo que se convirtió en una moda expresiva. Dylan ostentaba una secreta admiración por los Beatles y otras bandas de la llamada invasión británica, una fascinación que era mutua. Era solo cuestión de tiempo para que uno empezará a influenciar a el otro y viceversa.

Las raices del Folck Rock pueden ser detectadas en algunas grabaciones previas a 1965, éstas fueron realizadas por The Searcher y Jackie DeShannon (quien ayudó a introducir la guitarra de 12 cuerdas, que se convirtió en la marca registrada de este género). También sonaron bandas como Beau Brummels y The Animals quienes interpretaron la inconfundible canción con sonido Folk The House of the Rising Song, otro ejemplo es la canción de los Beatles I´m a Loser.

Siguiendo los pasos.

La primera y posiblemente la mejor banda de Folk fueron The Byrds, banda compuesta por ex folks puros, quienes habían recogido sus instrumentos eléctricos hacía un año y ya se habían convertido en superestrellas. Pero ellos fueron más influenciados por los Beatles que por Dylan.

Ellos basaron su sonido en 21% en los Beatles , 11% en los Zombies, 8 % en los Dillards, 18% Dylan, 14% Pete Seeger, 16% Searchers y un 12% de error, ignorancia, accidente y originalidad.

Su líder Rober McGuinn, arañando la guitarra de 12 cuerdas, sentó el sonido estandar del género, como también las hermosas armonías corales del grupo y la espléndida interpretación de canciones de Dylan y Seeger, baladas tradicionales del folk y su material original de primera mano.

Primeros éxitos.

Dylan se cambió al folk – rock, al mismo tiempo que los Byrds con su albúm Bringing Back Home, dividido en un lado acústico y otro eléctrico. Sus siguientes álbumes Higway 61 revisited y Blonde on Blonde, fueron en su totalidad grabaciones con sonido eléctrico. Su conversión al rock & roll, cambió monstruosamente su constitución musical original, situación que fue compensada con legiones de nuevos fans, además de que los 3 álbumes producidos de 1965 a 1966 fueron top ten, incluyendo la popular canción Like a Rolling Stone.

El pronto suceso de Dylan y The Byrds prendieron la llama para una cantidad de emuladores e imitadores. Bandas como Mamas & Papas quienes fueron una interesante variación en el sonido, Sonny & Cher los más comerciales del pastel, quienes se convirtieron en unos importantes exponentes de las corrientes del pop. También apareció el popular grupo Donovan quien también probó con el sonido sicodélico. Algunos productores agregaron guitarra de 12 cuerdas a una vieja canción de Simon & Garfunkel, después Sounds of Silence se convirtió en un número uno y el dúo se convirtió en uno de los más exitosos actos del folk - rock.

Algunos artistas aprovecharon el híbrido y se encaminaron más hacia el lado del folk que exitosamente era menos frecuente y menos comercial, pero cantantes y cantautores como Fred Neil, Phil Ochs, Gordon Lightfoot, Ian & Silvia, Richard & Mimifarina y otros; convirtieron su sonido en eléctrico alcanzando gran aceptación y suceso en el medio. El Folk – rock también es artifice de influenciar y expandir las diferentes vías del rock en la mitad de la década de los 60.

Los Beatles para 1965 ya estaban influenciados por el folk y esto se nota en las letras de temas como You´ve got to hide your love away, que aperece en el álbum Rubber Soul, creado a final del 65, LP que se convirtió en uno de los grandes triunfos del folk – rock. Muchas de las tempranas bandas sicodélicas de San Francisco estaban conformadas en su mayoría por disidentes del folk, inclusive los Beatles en persona pasaban del folk – rock a la sicodelia con una rapidez impresionante, víctimas también de este cambio; de hambre e innovación de ritmos, música y letras se encuentran los Jefferson Airplane.

Folk Manía

Mientras que el apogeo del folk - rock se dio en 1965 y 1966, la verdad es que ha sido una fuerte presencia en el rock desde hace mucho tiempo, acuñado como un término de marketing para un sonido que inicialmente fue percibido por la industria como un suceso momentaneo, no como una adición permanente al vasto léxico del rock & roll.

En 1967, las bandas de Los Angeles Buffalo Springfield y Love pudieron realizar grabaciones clásicas que sacaron el folk de su curso, con la adición de elementos de eclepticismo y sicodelia. Para los finales de los 60, bandas británicas como Farport Convention y Pentagle, alcanzaron posiblemente la puerza del folk – rock, con un poderoso y bien logrado balance entre el sonido acústico y el eléctrico, y entre las composiciones tradicionales y los números nuevos.

El movimiento de cantautores de finales de los 60 y principios de los 70, no fueron muy devotos del sonido eléctrico y menos de los grupos, pero si tuvieron una buena cuota de inspiración en el folk – rock. Las armonias musicales, el sonido característico de las guitarras tanto eléctrica como acústica del folk todavia existe y existirá en algunas bandas como R.E.M.

Discografía Sugerida

The Byrds: Mr. Tambourine Man.

Bob Dylan: Blonde on Blonde.

The Leaves: 19626.

The Loving Spoonful: Anthology.

The Beau Brummels: The Best of The Beau Brummels.

The Blue Thrings: Story Vol 1 – 3.

Donovan: Troubadoor.

Simon & Garfunkel. Collected Works  

Shakiro Vs Shakira. Nos llevo el perro dentro de la jeta

Shakiro: Dicese de este querido ser humano bautizado en Chile bajo el nombre de Rodolfo Burgos. Apareció en un concurso de la nación austral llamado "Yo Soy", en donde los participantes imitaban a su artista favorito, o al que mejor les salia.

Pues resulta ser que este señor imita a Shakira. De todas las cosas bizarras de este mundo esto es lo que faltaba. Que un tipo cante igual de feo a esta vieja e inclusive se quiera parecer a ella, esto ya es el colmo.

Yo soy Colombiano y  me encanta que a mis compatriotas les vaya bien y dejen el nombre del país en alto y toda la carreta nacionalista que Uds quieran, pero Shakira en mi humilde concepto es el peor producto de exportación que tiene nuestra agobiada patria. La vieja esta buena, vamos a reconocerlo; pero canta inmundo, eso si es cierto.

Aparte de que yo creo que ella no se siente ni cinco colombiana, salió con el fracasado de Antonito, flojo de siete suelas y gracias a él acuñamos en este país el dicho de: "trabaja más el novio de Shakira". Ahora sale con un futbolista después de que esa larga relación de mantenido se vino a "pique". 

Pero bueno lo que no entiendo es como alguien puede imitar esos alaridos de manera magistral. Si la tipa no canta, aúlla como una loba herida, como cuando usted le coge una teta a su novia pero  con la puerta del carro, es exactamente igual. Alaridos de dolor casi ininteligibles. 

Se le abona que esta buena y se acordó de los pobres de su tierra natal mediante su fundación y en algo ayuda a   los niños. Otro ejemplo de embajadores es Juanes, a mi no me gusta lo que hace musicalmente pero el tipo es un bacan y no esta rodeado de esa aura maluca de divo que tiene la flaca esta. Relajado y buena gente como cuando cantaba con Ekimosis y su música era interesante muy salida del main stream.

Pero bueno los dejo con el vídeo del señor en cuestión por que me parece que este tipo de cosas merecen ser difundidas. Vamos a hacer un concurso nacional a ver quien se le mide a ser el doble de Jota Mario, de Dario Goméz o de Jorgito Barón. Sería interesante ver al doble de Diomedes Díaz metiendo perico en la galas y matando a las amantes...

Songs for Japan, Canciones para Japón, el tsunami musical japones

Portada del álbum Songs for Japan

Por estos días se unieron 4 de las disqueras más importantes del mundo EMI, Warner, Universal y Sony, en torno de la tragedia que sacudió al archipiélago  nipón. El resultado es una donación de canciones por parte de los artistas que hacen parte del catálogo de estos gigantes de la música.

Su distribución está más que garantizada y por solo 9.99 euros se puede descargar de Itunes, e inclusive dicen que los fondos recaudados irán en su totalidad a las arcas de la Cruz Roja Japonesa.

Labor bastante altruista e importante en la que los artistas se unen para paliar en algo la ya difícil situación de la nación del sol naciente.

Son 38 canciones que van desde Jhon Lennon, pasando por U2 y Lady Gaga, hasta Kings of Leon, acá está la lista completa:

1.John Lennon "Imagine" 
2. U2 "Walk On" 
3. Bob Dylan "Shelter From The Storm" 
4. Red Hot Chili Peppers "Around The World" 
5. Lady Gaga "Born This Way" 
6. Beyonce "Irreplaceable" 
7. Bruno Mars "Talking To The Moon" 
8. Katy Perry "Firework" 
9. Rihanna "Only Girl (In The World)" 
10. Justin Timberlake "Like I Love You" 
11. Madonna "Miles Away" 
12. David Guetta "When Love Takes Over" 
13. Eminem "Love The Way You Lie" 
14. Bruce Springsteen "Human Touch" 
15. Josh Groban "Awake" 
16. Keith Urban "Better Life" 
17. Black Eyed Peas "One Tribe" 
18. Pink "Sober" 
19. Cee Lo Green "It's Ok" 
20. Lady Antebellum "I Run To You" 
21. Bon Jovi "What Do You Got?" 
22. Foo Fighters "My Hero" 
23. R.E.M. "Man On The Moon" 
24. Nicki Minaj "Save Me" 
25. Sade "By Your Side" 
26. Michael Buble "Hold On" 
27. Justin Bieber "Pray" 
28. Adele "Make You Feel My Love" 
29. Enya "If I Could Be Where You Are" 
30. Elton John "Don't Let The Sun Go Down On Me" 
31. John Mayer "Waiting On The World To Change" 
32. Queen "Teo Torriatte (Let Us Cling Together)" 
33. Kings Of Leon "Use Somebody" 
34. Sting "Fragile" 
35. Leona Lewis "Better In Time" 
36. Ne-Yo "One In A Million" 
37. Shakira "Whenever, Wherever" 
38. Norah Jones "Sunrise"

Viendo esto yo me pregunto ¿Por qué en Colombia no hacemos lo mismo? Este es el país de los desastres naturales y las tragedias. Si quieren vender discos en Colombia tienen material y mercado para rato.

Organicemos con las disqueras nacionales  una especie de teletón con un sabroso concierto y disco incluido para las víctimas del invierno, los desplazados por la violencia y tanto otro mal que aqueja a nuestra agobiada nación.

El encargado de esta labor sería  Jorge Barón, con artistas de primera plana como El Charrito Negro, el señor Giovanny Ayala, Dario Gomez y Dario Dario, con uno que otro vallenatero y por supuesto el J Balvin, ahí si que se completaría el negocio socio; mientras Jorgito los enciende a patadas de buena suerte por el culo. Y no dejemos por fuera a Karencita y a Williamcito Vinasco, para que al unisono le ayuden a Barón en la dispendiosa labor de presentar un evento de estas magnitudes, sin su colaboración no sería lo mismo. 

Que se joda Mac, que se joda Sony y BMG y todas sus filiales. Para prensar el disco llamamos a Dario Records, la casa musical de Darío Gómez y montamos los videos por Rockola TV, seguro que el éxito está asegurado.

La ventana está abierta, la oportunidad está y estará presente por siempre, organicémonos y apoyemos este proyecto, Ud. verá si le dona  los 10 euros al Japón que seguramente en 10 años no les duele ni una muela,  o por una irrisoria suma de tan solo 10 mil pesitos apoya el producto nacional y los damnificados criollos que cada vez somos más.

Historias del Rock, el New Wave Cereal venenoso

Una de las cuestiones  más espinosas cuando se escribe sobre rock, posiblemente por ser muy perplejo y alienante, es el uso de un género para identificar varios grupos musicales en una categoría.

El género facilita tener una idea del tipo de música que una banda toca, además  es una descripción que elimina  toda posibilidad de un malentendido, por ejemplo, a los que les gusta el dance, nunca van a escuchar una banda de heavy metal, además hay muchas bandas que pueden encajar en más de una clasificación.

Este es el caso específico del New Wave, porque tiene una constelación de artistas y estilos que vienen con influencias desde el funk, pasando por el punk, lo gótico y llegando hasta el techno mismo.

Pero, ¿qué es lo que nos lleva al New Wave? Esencialmente es toda la era de la música post-punk, alrededor de 1979; los periodistas, casa disqueras, disc-jockeys y un selecto grupo de  músicos folk no querían llamarlos punk, pero las raíces del punk nos permiten describir una banda como comercial.

¿Por qué? Principalmente porque el punk fue relegado a un estatus diferente,  era una música considerada muy dura, radical y alienante. De hecho las bandas de rock no estaban compuestos por músicos y hacían lo que podían por sonar, esto fue lo que definió su estilo.

Por lo tanto, el término New Wave (cuyo origen  cultural se  usó para para describir la corriente cinematográfica francesa de avantgarde de finales de los 50), fue sustituido para identificar bandas que eran progresivas, diferentes, pero no necesariamente espeluznantes o potencialmente comerciales. El New Wave era un concepto Ying – Yang en su verdadero sentido, produjo buenas bandas y excelentes grabaciones.

De todos modos, hubo muchos impostores que fueron juzgados de New Wave por los dueños de las industrias, quienes pensaron que sus estilos y su música se podría vender al igual que las del  movimiento original, aunque en algunas instancias no se equivocaron.

Made in USA

En América la dicotomía entre el Punk y el New Wave se dio en el momento en que el punk se convirtió en parte del lenguaje. Se dio el caso  que aparecieron bandas como Ramones y los Voivods que eran punk, pero Blondie y Talking Heads eran New Wave.

En la escena underground norteamericana se perfilaron bandas New Wave como The Cras, The Motels, The Go-Go´s, Pere Ubo, The B 52´s y Devo, incluso docenas más, buenas, malas o indiferentes, quienes tomaron sus entradas musicales del punk, pareciendo estas menos antosociales y más versátiles en el mercado.

Esto explica por qué todos los atrás mencionados eventualmente realizaron contratos con  grandes disqueras, quienes vieron una ganancia potencial en el New Wave, por encima del punk, principalmente porque el en el retorcido y disparatado mundo del New Wave no existía ninguna fórmula para el éxito.

A pesar de ser puestos en la misma categoría, se encontraban grandes diferencias entre el muy sonido radial Pop que ofrecía The Motels y el brillante y extraño reto de Art – Punk que ofrecía Pere Ubu.

También algunas bandas se doblaron hacia el New Wave por el solo hecho de estar del lado del punk, o sencillamente fueron unos extraños flequillos de banda que nunca tuvieron significado comercial,  como en la escena no New Wave de Nueva York. Lo que sí está claro es que el New Wave como género identificado trató de abarcar mucho terreno y como resultado desembocó en un término sin sentido.

Las bandas de power pop eran New Wave, pero también lo eran las de art – punk; los revisionistas de las raíces del rock como The Blaster eran New Wave y también lo que fue la extraña danza de los B – 52´s. Esta democratización y estilísitica interdependencia era interesante, pero finalmente fue confusa, y los fans solamente querían buena música sin importar de qué género fuera.

Made in UK

En Inglaterra el New Wave empezó contrarrestando la agresión del punk  con la anti actitud de estrella pop del Pub Rock y produjo entonces mejores canta autores. Elvis Costello, Graham Parker, y Lick Lave, creando un rock venenoso y sarcástico. También estuvo liberado del narcisismo autoindulgente de los canta autores de los 70. Con este decidido resentimiento de clase trabajadora, el New Wave inglés, como su contraparte americana, parecía identificarse o encontrarse con todo o con nada.

Estaba el rápido trash – pop de The Rezillos quienes fueron la versión escocesa de B 52´s; el sonido de Joy Division (quienes se convirtieron en New Order después de la muerte de Ian Curtis); el agitado noise – rock de The Police; el distorsionado y políticamente orientado sonido de The Mekons; el feminista reggae – funk de The Slits; la retrosicodelia de The Cure (quienes tienen raíces profundas en la escena gótica)  y otras bandas posteriores como  Happy Mondays, Inspiral Carpets y The Smiths.

También hay redescubrimientos asociados con el New Wave británico, como el movimiento Neomod que produjo música no muy despreciable, pero tuvo corta vida. Además retomando del ska, produjó bandas como The Specials, Selecter y Madness en sus primeros trabajos.

Del New Wave a lo alternativo

Lo que en un tiempo se rotuló como New Wave después se llamó alternativo, término que se pierde a medida que su uso se incrementa.  Con las  bandas alternativas, las disqueras descubrieron  una mina de oro pero el sonido no era nada parecido a las corrientes musicales y decidieron ponerle “Alternative” a todo lo que no podían clasificar dentro de una o género establecido, el caso típico de esto es REM.

En estos días el New Wave es como un recuerdo de la música de los tempranos días del punk, que era considerada una música no comercial a finales de los 70. Irónicamente, este sonido particular de guitarra le ha dado mega suceso a bandas como Green Day y  Off Spring, con secuelas de neo punk.

Aquí llegamos a un cuestionamiento: ¿Cómo se puede enmarcar bandas que no tocan la misma clase de música en una categoría? Las grandes bandas del New Wave Existieron y seguirán existiendo, sin importar  como las llamen o las cataloguen.

Lo cierto es que muy buena música  ha sido asociada con este género que es una parte importante de la historia del rock, y una de las mejores épocas musicalmente hablando.

Discografía sugerida:

-          Pere Ubu:                                          The Modern Dance

-          X:                                                      Los Angeles / Wild Gift

-          B 52´s:                                               B 52’s

-          Devo:                                                 ¿Are we not men? We are Devo

-          Residents:                                          Meet the Residents

-          Talking Heads:                                  Popular Favorites

-          The Modern Lovers:                         Modern Lovers

-          Blondie:                                            The Best of Blondie

-          Rezillos:                                            Can´t Stand the Rezillos

-          The Smiths:                                       The Singles

-          Elvis Costello:                                   My Aim is True

-          Graham Parker:                                 Haulin Wind

-          Joy Division:                                      Unknown Pleasures

-          The Cure:                                          Standing on a Beach

-          The Slits:                                           The Cut

-          The Blasters:                                     Blasters Collection

-          New Order:                                      Movement